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Indie Basement (20/03): a semana no indie clássico, alternativo e college rock
Ladytron – Paradises (Nettwerk)
Ladytron deixa o gelo derreter um pouco para seu álbum mais dançante — e mais longo — até agora
“Há uma coceira que nunca coçamos”, diz Daniel Hunt, do Ladytron, sobre este novo single e o oitavo álbum dos veteranos do electro de Liverpool. “Apesar de nossas origens no mundo dos DJs, nunca fizemos de fato um disco ‘disco’. Embora, ‘disco’ no nosso contexto tenha um significado um pouco diferente.”
O Ladytron sempre teve um olho na pista de dança, mas geralmente mantinha a postura fria. Em Paradises, oitavo álbum da banda, eles relaxam e se divertem, explorando uma variedade de estilos de dance music do final dos anos 80 e 90 ao longo deste LP duplo de 16 faixas.
A diferença é mais sentida em “Kingdom Undersea”, que adiciona um pouco do clima baggy/Madchester do início dos anos 90 à equação — Inspiral Carpets vêm à mente — e o riff de piano staccato, com pegada house, quase faz a banda soar como outra, pelo menos até os vocais distintos de Helen Marnie entrarem. É também um raro dueto com Hunt, cujo vocal com inclinação gótica oitentista resulta em um dos singles mais refrescantes e incomuns do Ladytron em anos.
Há muito DNA do acid house do final dos anos 80/início dos 90 em Paradises também, desde os sintetizadores percussivos e marcantes em “I Believe in You”, “Free, Free” e “Death in London” (bem A Guy Called Gerald), até o baixo rolante ao estilo 808 State e as palmas eletrônicas de “I See Red” e “Metaphysica”. Melodicamente, ainda é muito um álbum do Ladytron, mas eles estão trabalhando com uma caixa de lápis de cor mais vibrante.
Com 72 minutos, Paradises talvez deixe a festa rolar um pouco além da conta — poderia perder um quarto do tempo de duração — mas o Ladytron claramente está se divertindo muito. A festa é deles, então quem sou eu para dizer a hora de ir embora?
Paradises por Ladytron
—Damaged Bug – Zuzax (Deathgod)
John Dwyer brinca com o pop em seu primeiro álbum solo como Damaged Bug em seis anos.
John Dwyer é um dos músicos mais prolíficos dos últimos 20 anos, lançando religiosamente um novo álbum com o Oh Sees a cada ano — às vezes mais de um — sem contar os discos de outros projetos como Bent Arcana e Chime Oblivion. Damaged Bug, porém, é seu projeto solo onde ele prefere sintetizadores a guitarras, mas fora isso não parece impor muitas regras.
ZUZAX é o primeiro álbum do Damaged Bug em seis anos e o primeiro de material original em quase uma década (o Bug Out Yonkers de 2020 era só covers de músicas do artista cult Michael Yonkers). As 11 faixas aqui foram selecionadas de quase 40 que ele tinha guardadas — raro para Dwyer, que normalmente trabalha muito mais rápido — e, embora ele tenha dito que não encontrou um fio condutor, musicalmente todas pendem para o lado mais leve e brincalhão. Pop, até.
“Sinto que é missão de todo artista construir mensagens pessoais envoltas em momentos de escapismo”, diz Dwyer. “É um disco meio alegre/triste, lidando com esperança e perdão, duas coisas que espero que estejam mais presentes na minha vida.” A alegria é evidente logo na faixa de abertura, “End of the War”, uma festa dançante ao estilo anos 60 com backing vocals de Brigid Dawson, ex-integrante do Oh Sees. É um estouro, mesmo que Dwyer tenha coisas mais pesadas na cabeça.
O groove está no coração de ZUZAX, seja nos fills motorik ao estilo Jaki Liebezeit em “Mozzy Rooves & More” e “Sike Witch”, nas batidas jazzísticas que flertam com o jungle em “Fried Hands”, ou nos jams etéreos de fim de noite que poderiam facilmente entrar em um set de trip-hop. Um dos melhores desses momentos é “Over Exposed”, um slow dance cinematográfico que faz referência aos grandes do doo-wop The Flamingos e traz Dwyer, inesperadamente, em modo crooner total. Banho de saxofone suave, é um som que combina surpreendentemente bem com ele — e que ele poderia explorar mais. Por outro lado, talvez ele já tenha outro álbum inteiro desse estilo entre as 29 músicas que ainda estão na gaveta.
ZUZAX por Damaged Bug
—Anna Calvi – Is This All There Is? (Domino)
EP incrível com Iggy Pop, Laurie Anderson, Matt Berninger e Perfume Genius ao lado do charme confiante e esfumaçado de Anna Calvi
Anna Calvi deveria ser maior. Na indústria ela já é, suponho — uma polímata musical, compositora e guitarrista virtuosa com um vozeirão de tirar o fôlego. Ela compôs a trilha de duas temporadas de Peaky Blinders e colaborou com o falecido diretor e coreógrafo vanguardista Robert Wilson na produção teatral The Sandman em 2017. Mas como musicista de rock, ela merece um público mais amplo, e talvez este seja o ano.
Is This All There Is? é o primeiro de três lançamentos que “exploram a identidade como uma metamorfose, moldada e remodelada pela experiência de se apaixonar”. Todas as quatro faixas aqui são duetos, de certa forma, com Iggy Pop, Perfume Genius, Laurie Anderson e Matt Berninger, do The National. “Eles não tentam agradar ninguém”, diz Calvi sobre seus colaboradores. “Eles expressam exatamente quem são.”
O EP abre com um verdadeiro estouro: a colaboração com Iggy, “God’s Lonely Man”. O ícone punk aparece em muitos discos de outros artistas hoje em dia, mas geralmente em participações faladas, então é um prazer ouvi-lo realmente cantar. Calvi sempre teve um pouco de Siouxsie Sioux em seu DNA, e deixa esse melodrama fluir neste glam gótico. Ela e Iggy soam ótimos juntos, e é quase como se ele e Siouxsie estivessem unindo forças e misturando suas versões icônicas de “The Passenger”, só que em uma música totalmente nova.
O outro destaque é a faixa-título com Matt Berninger. A voz de Calvi pode te deixar de cabelo em pé, e como Iggy, o barítono de Berninger combina perfeitamente com ela. É algo grandioso e cinematográfico, com um arranjo de faroeste spaghetti que faz os dois galoparem rumo ao horizonte.
As duas faixas restantes do EP são covers: Perfume Genius participa de uma versão atmosférica de “I See a Darkness”, de Bonnie ‘Prince’ Billy, trocando versos com Calvi, enquanto Laurie Anderson empresta sua presença inconfundível a uma versão de “Computer Love”, do Kraftwerk, toda fria e robótica em tons de “O Superman”, com Calvi adicionando texturas vocais fantasmagóricas. É bom, mas comparado às outras três músicas, não tem o mesmo impacto.
Is This All There Is? Não, mas é uma ótima introdução ao mundo romântico e saturado de Calvi, que inclui três álbuns (comece pelo excelente debut autointitulado de 2010), trilhas sonoras e — em breve — mais dois EPs.
Is This All There Is? por Anna Calvi
—INDIE BASEMENT CLASSIC: Big Audio Dynamite – No. 10, Upping St. (CBS, 1986)
Mick Jones, do Clash, se reúne com Joe Strummer no segundo e melhor álbum do Big Audio Dynamite
Como muitas grandes bandas, o The Clash terminou de forma tumultuada. Após o lançamento do aclamado Combat Rock, havia mágoas e nuvens negras por todos os lados, com duas facções se formando: o frontman/guitarrista Joe Strummer e o baixista Paul Simonon queriam trazer o som de volta ao punk, enquanto o guitarrista/vocalista Mick Jones se sentia cada vez mais atraído pelo rap e pela dance music que surgia em Nova York. (Os bateristas Topper Headon e Terry Chimes ficaram no meio/foram deixados de lado.) No outono de 1983, Strummer e Simonon demitiram Jones — uma péssima decisão para o Clash, mas ótima para Mick.
Após uma breve passagem pelo supergrupo General Public (com membros do The Beat, The Specials e Dexys Midnight Runners), Jones se juntou ao cineasta/DJ Don Letts — o DJ original do clube punk londrino The Roxy e colaborador visual fundamental do Clash — para formar o Big Audio Dynamite. Com o amor de Letts por cinema e reggae, além das tecnologias emergentes de samplers, sintetizadores e drum machines, o B.A.D. rapidamente criou um som realmente novo. A formação foi completada pelo baixista Leo “E-Zee Kill” Williams, o baterista Greg Roberts e o tecladista Dan Donovan (que também fotografou a capa do debut de 1985, This Is Big Audio Dynamite).
Esse primeiro álbum é um clássico, fundindo rock, hip hop, reggae e electro em algo altamente influente. Também foi lançado na mesma semana que o último álbum do Clash, Cut the Crap — sobre o qual é melhor nem comentar. Mas eu divago. O foco aqui é o sucessor, No. 10, Upping Street, de 1986, que trouxe uma surpresa: foi coproduzido por Joe Strummer, que também coescreveu cinco das nove faixas.
O B.A.D. estava no groove, Jones ainda era uma máquina de hooks, Letts estava se encontrando, e a presença de Strummer adicionou profundidade real. “C’Mon Every Beatbox” é um hino carregado de samples de TV e cinema, enquanto “Hollywood Boulevard” é uma crítica funky e ácida à indústria de Hollywood. Tem também “Ticket”, com Letts nos vocais principais, e o rap tenso de “Sightsee M.C.”. Os melhores momentos, porém, são os mais calmos, onde a influência de Strummer é mais sentida: a tocante “Beyond the Pale” e “Sambadrome”, inspirada no folclórico traficante carioca Escadinha.
A faixa mais inesperada é “Dial a Hitman”, que começa como uma sátira espirituosa sobre assassinos de aluguel antes de virar uma ligação telefônica de dois minutos após um serviço malfeito. As vozes são de Matt Dillon e Laurence Fishburne — ambos no início de carreira — e tudo é creditado a um filme inexistente, Lafayette Zero Six, dirigido, piscadela, por “Jan Tarmush”.
No. 10, Upping Street transborda ideias e grandes músicas, e embora seja muito datado, ainda se sustenta. É o melhor álbum da formação original do B.A.D. antes da separação em 1990, após Megatop Phoenix, e um dos discos mais fortes ligados a Mick Jones ou Joe Strummer. A reunião não durou, mas dá para ouvir lampejos do álbum do Clash que poderia ter sido.
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Os 20 Melhores Álbuns de Britpop de 1995
20. Echobelly – On
Se o álbum de estreia do Echobelly (Everybody’s Got One, de 1994) era o ápice do brilho do Britpop, a banda deu uma leve “arranhada” no som para o segundo disco, On, gravado com a dupla americana de produção Sean Slade e Paul Q Kolderie (Buffalo Tom, Hole, The Bends do Radiohead). As guitarras estão um pouco mais agressivas, mas faixas como “Great Things”, “King of the Kerb” e “Pantyhose and Roses” continuam animadas, doces e absurdamente grudentas. Como no debut, o grande diferencial de On segue sendo a vocalista Sonya Aurora Madan, cuja voz cristalina faz tudo alçar voo.
19. Salad – Drink Me
O grupo londrino Salad era liderado pela musicista e modelo holandesa Marijne van der Vlugt, que também era VJ da MTV Europa enquanto estava na banda. Ela era uma presença marcante, com uma voz clara e poderosa que cortava as guitarras frequentemente angulosas — tudo isso diferenciava o Salad do resto do Britpop. Certamente nenhum outro grupo lançava algo tão deliciosamente estranho quanto “Motorbike to Heaven” ou “Drink the Elixir” na época. Apesar de estar em uma grande gravadora (a subsidiária Red da Island Records), o Salad era um pouco excêntrico demais para o mainstream — embora Drink Me tenha entrado brevemente no Top 20 do Reino Unido — mas isso faz com que...