Ópera rock é um termo que desperta tanto admiração quanto apreensão.
Dependendo do seu ponto de vista, você pode aplaudir a ambição, criticar a pretensão ou até mesmo condenar o exagero — ou tudo isso ao mesmo tempo.
Afinal, o rock não foi criado para ser operático; na verdade, surgiu como uma reação contra esses motivos clássicos tradicionais. Três acordes e a verdade, certo?
Era talvez inevitável que músicos de rock começassem a explorar formas de composição mais avançadas, indo além das músicas de dois ou três minutos e dos álbuns com faixas desconexas.
Frank Zappa é creditado, já em 1963, por falar sobre "a primeira ópera adolescente de rock 'n' roll do mundo" em relação a I Was a Teenage Malt Shop. Brian Wilson chamou Pet Sounds, dos Beach Boys, de "uma sinfonia adolescente para Deus".
Essas obras cativaram seus criadores e foram abraçadas pelo público crescente do rock.
No entanto, há uma diferença entre o álbum conceitual e a ópera rock. É o que separa Pet Sounds de S.F. Sorrow, dos Pretty Things, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band do Tommy, do The Who — e, nesse sentido, The Dark Side of the Moon, do Pink Floyd, de The Wall.
Embora o aspecto "rock" estabeleça a obra fora das restrições usuais do oratório clássico, ainda é necessário que haja uma narrativa para ser considerada uma ópera rock.
O que o rock traz para a festa é a irreverência; a ópera rock não precisa ser linear ou fácil de acompanhar, e muitas mergulharam em territórios surreais e psicodélicos (tente resumir The Lamb Lies Down on Broadway, do Genesis, em cinco palavras, se conseguir).
Mas sempre há uma história no centro dessas obras, que se desenvolve e se transforma em uma jornada até um desfecho identificável.
A ideia de investir em uma peça tão envolvente e de longa duração pode parecer anacrônica na era do streaming digital. Mas pode ter certeza: as óperas rock eram, se não comuns, pelo menos presenças regulares durante os anos 60 e 70.
As melhores continuam relevantes, o que torna um desafio nada pequeno identificar os Big 4 das óperas rock. Mas certamente defendemos estes como os momentos mais altos do gênero.
The Who, Tommy (1969)
Não foi a primeira ópera rock — esse crédito vai para os Pretty Things com S.F. Sorrow em 1968 — mas Tommy foi, e continua sendo, a mais impactante. Pete Townshend já havia apresentado a primeira opereta rock três anos antes com "A Quick One, While He's Away", uma suíte de nove minutos cuja história de infidelidade ecoa no início de Tommy.
Todos conhecemos a história: o jovem Tommy Walker fica surdo, mudo e cego após testemunhar o amante de sua mãe matar seu pai, que retorna para casa após ser dado como morto na Segunda Guerra Mundial.
Os adultos dizem a ele: "você não viu nada, não ouviu nada, não vai contar nada para ninguém", e passamos a maior parte do álbum duplo acompanhando as experiências, muitas vezes horríveis, de Tommy — especialmente nas mãos do Primo Kevin, do Tio Ernie, do Hawker e da Acid Queen — e suas tentativas, por fim bem-sucedidas, de recuperar os sentidos, ainda que com resultados catastróficos, mas catárticos e rebeldes.
Tommy também é um tour de force musical, com Townshend expandindo suas ambições como compositor, Roger Daltrey mostrando um crescimento impressionante como vocalista, Kit Lambert aprimorando a produção sonora e todos os quatro integrantes da banda em seu auge.
"Pinball Wizard" e "We're Not Gonna Take It" permanecem no panteão do The Who, mas peças instrumentais como "Overture", "Sparks" e "Underture" — sem falar nas apresentações ao vivo ("Mostrem respeito; é uma p*** ópera!", lembrou Keith Moon) — realmente mostram a força da banda.
As explicações variadas de Townshend sobre os significados mais profundos de Tommy só aumentam seu legado, junto com adaptações para o cinema, Broadway, balé, orquestra e até produções de ópera de verdade, sendo a primeira delas realizada em Seattle, em 1971.
Andrew Lloyd Webber & Tim Rice, Jesus Christ Superstar (1970)
A maior história já contada, ou pelo menos seu capítulo final, talvez não fosse a primeira escolha para uma ópera rock. Mas, com o formato ainda em sua infância, Andrew Lloyd Webber e Tim Rice decidiram construir sua terceira colaboração (após The Likes of Us e Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat) sobre os Evangelhos.
Jesus Christ Superstar, que acompanha a trajetória de Cristo desde sua chegada a Jerusalém até a crucificação, foi lançado primeiro como álbum, com Ian Gillan (Deep Purple Mark II) como Jesus, Michael d'Abo (ex-Manfred Mann) como Rei Herodes, Yvonne Elliman (futura backing vocal de Eric Clapton) como Maria Madalena e Murray Head como Judas Iscariotes.
Entre os instrumentistas estavam Henry McCullough (futuro guitarrista do Wings), Neil Hubbard (da banda de Joe Cocker), Bruce Rowland, Alan Spencer e Mick "Blue" Weaver (futuro tecladista do Mott the Hoople). O letrista Rice trouxe reflexões instigantes, como "Se você viesse hoje, poderia alcançar toda uma nação/Israel em 4 a.C. não tinha comunicação em massa".
Jesus Christ Superstar foi o álbum número 1 do ano na Billboard 200 e Top 10 no Reino Unido, e o musical chegou à Broadway em 1971, onde foi indicado a cinco prêmios Tony.
Desde então, foi revivido em diversas ocasiões, enquanto Norman Jewison dirigiu uma adaptação cinematográfica em 1973, indicada a seis Globos de Ouro e vencedora do BAFTA de Melhor Trilha Sonora no Reino Unido.
David Bowie, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars (1972)
David Bowie já tinha quatro álbuns lançados quando criou o personagem andrógino de cabelos laranja que se tornaria uma assinatura duradoura em sua carreira — e a voz de algumas de suas músicas mais emblemáticas.
Ziggy Stardust é um alienígena enviado à Terra para salvá-la antes de uma catástrofe apocalíptica não especificada. Inspirado em precursores autodestrutivos como o cantor britânico Vince Taylor e Iggy Pop, dos Stooges, o personagem Ziggy passa por ascensão, queda e redenção ao longo de 11 faixas — todas de Bowie, exceto "It Ain't Easy", de Ron Davies.
Bowie incorporou Ziggy, e seus músicos — o guitarrista Mick Ronson, o baterista Michael "Woody" Woodmansey e o baixista Trevor Bolder — tornaram-se os Spiders. O som foi a vanguarda do glam rock.
"Suffragette City" talvez seja a faixa mais lembrada, mas não há música ruim no álbum, e é mérito de Bowie que todas funcionem independentemente da narrativa. Ele aposentou Ziggy e os Spiders em 3 de julho de 1973, após um show em Londres, mas o personagem permanece parte indelével de sua identidade camaleônica.
Felizmente, apresentações foram preservadas em filmes como Ziggy Stardust and the Spiders From Mars, de D.A. Pennebaker, e sua trilha sonora, além de Live Santa Monica '72.
Pink Floyd, The Wall (1979)
Veteranos em álbuns conceituais — e após uma sequência nos anos 70 com The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here e Animals — o Pink Floyd apostou em uma narrativa ainda mais forte em seu 11º álbum de estúdio.
A história conta que Roger Waters apresentou duas ideias ao grupo: The Wall e The Pros and Cons of Hitch Hiking, que viria a ser seu primeiro álbum solo em 1984.
Seus colegas fizeram a escolha certa e embarcaram em uma produção turbulenta de dez meses, com a ajuda de Bob Ezrin e marcada por disputas de poder; o tecladista Richard Wright deixou a banda antes do fim das gravações.
A narrativa é pessoal, detalhando a vida de uma estrela do rock profundamente desiludida — chamada Pink, inclusive — e abordando temas da vida de Waters e do ex-vocalista Syd Barrett.
Os traumas são profundos e se desenrolam em músicas excepcionais, como "In the Flesh?", "Another Brick in the Wall, Part 2", "Mother", "Goodbye Blue Sky", "Nobody Home", a majestosa "Comfortably Numb" e a explosiva "Run Like Hell".
O público adorou; The Wall chegou ao topo das paradas em todo o mundo, vendendo mais de 30 milhões de cópias. A apresentação ao vivo, com os bonecos de Gerald Scarfe e a construção de um muro real entre a banda e o público, tornou-se lendária, enquanto a adaptação cinematográfica de 1982 — dirigida por Alan Parker e estrelada por Bob Geldof como Pink — ganhou dois BAFTAs e se tornou um cultuado clássico.
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